El espectáculo más frío de la ciudad sigue derritiendo corazones y dando calurosas bienvenidas (y abrazos) a uno de los teatros con más historia y solera de Londres. Guillermo Názara reseña Frozen, The Musical, para hacernos llegar su opinión sobre la adaptación escénica de la película de animación de Disney más taquillera de todos los tiempos.
Si Disneyland es el lugar donde los sueños se hacen realidad, al menos si los depositas en un roedor parlante con voz preadolescente, entonces el teatro es definitivamente donde la compañía los hace añicos. A pesar del éxito de algunas de sus producciones, nadie puede negar objetivamente que las adaptaciones escénicas de la multimillonaria (con ‘b’) empresa del tío Walt no suelen igualar su valor en bolsa, ¡ni lo que son capaces de hacer en sus parques temáticos! Siendo casi los inventores del concepto de “atracción oscura”, que los propios primeros Imagineers vieron como una nueva forma de crear entretenimiento teatral, su constante inversión en el desarrollo de tecnología punta para sus atracciones sólo puede elevar el listón de lo que se puede esperar cuando hagan lo mismo, al fin y al cabo, en un lugar más convencional.
Pero la fantasía es sólo fantasía y, aunque Disney ha construido un imperio a partir de ella, sus bases siempre han estado en juego (al menos en lo que a calidad artística y de producción se refiere) a la hora de convertir sus piezas animadas en eventos en vivo. Generalmente baratas y básicas en su mejor momento, una larga lista de decepciones han ido originando un sentimiento particular dentro de mí (y dentro de unas cuantas personas más, puedo asegurarlo) – que se manifiesta cada vez que anuncian la realización de su próximo musical: la apatía. Por supuesto, Frozen no tenía posibilidades de evitarlo.
Llega la noche de los medios y allí estoy a punto de ver un espectáculo que presumo será similar a los otros que he tenido la…. mejor no decir qué…. de presenciar – una sobrepromesa por la que no culparía a nadie por querer recuperar su dinero. El auditorio se queda a oscuras, comienza la obertura y el telón, a través de una mezcla brumosa de esmalte y aurora boreal, desaparece en la torre de las moscas para revelar lo que sólo puedo describir a través de mi reacción: una caída de mandíbula. Sí, han leído bien. Esta vez lo han hecho bien, ¡muy, muy bien!
Esta es probablemente la única ocasión en la que las imágenes de la producción son realmente lo contrario de lo que el departamento de escenarios de Disney está acostumbrado a darnos: es mejor cuando se ve en persona. Dando la impresión de no haber escatimado en gastos con ésta, la intrincada escenografía y los diseños de vestuario (ambos mérito de Christopher Oram) alcanzan casi un estatus operístico, presentando un atrezzo impresionante (y a menudo gigantesco) sin importar el tiempo que esté en cartelera. No importa si la escena dura 2 minutos o 20: en cualquier caso, te vas a quedar boquiabierto. Opulenta y mágica, y captando así la esencia de la historia y el corazón del espectáculo, la disposición de esta escenografía sirve también de lección muy didáctica a los compañeros del gremio, para que aprendan a utilizar correctamente las proyecciones. Si mejora la apariencia de un decorado físico, por supuesto, hazlo, pero por favor, no reduzcas un diseño a una simple pantalla con dibujos. Al fin y al cabo, no estamos en el cine.
El asombroso nivel de la escenografía está (para mi total placer) muy bien apoyado por el resto del equipo creativo. Con un ritmo agradable y bastantes nuevos momentos memorables (seguramente varios jóvenes espectadores se convirtieron en religiosos del teatro esa noche), el repertorio añadido (escrito por el dúo de compositores originales de la película, Robert Lopez y Kristen Anderson-Lopez) es un maravilloso añadido a la narrativa, con letras ligeramente mejores que las de los anteriores números conocidos y melodías pegadizas en el mismo estilo de su homólogo de dibujos animados. Todo ello respaldado por otro rasgo muy refrescante que parece estar ganándose tímidamente su vuelta al teatro comercial: una orquesta de piezas completas sin elementos pregrabados, brillante e imaginariamente instrumentalizada por David Metzger, cuya contribución destila, sobre todo, elegancia, detalle y afición por la variedad a través de una muy buena comprensión de los elementos de la banda. Por último, los efectos especiales -la mayoría de ellos basados en el mapping y concebidos por Jeremy Chernick- dotan a la producción del asombro que, en muchos momentos, nos había ofrecido la competencia, pero que Disney nunca había tenido. Y sí, he visto la alfombra voladora.
Si algo nos han enseñado las producciones de réplica (aunque ésta sea una mejora de la original de Broadway) es que, a pesar de tener el mismo planteamiento y los mismos efectos visuales, todo se puede estropear si los que pisan las tablas no están a la altura de sus exigencias. Pero si de algo no carece este espectáculo es de sorpresas, y una de ellas (aunque lo único que deberíamos esperar en el West End) es que el reparto es, efectivamente, brillante. A pesar del comprensible bombo y platillo que se le ha dado a Samantha Barks (su interpretación de la fría y distante aunque bondadosa Elsa es notable, aparte de su notable -¡casi aterrador!- parecido con el personaje animado), Emily Lane es sin embargo la hermana número 1, no sólo por su agradable voz sino por su hilarante representación de la desordenada pero muy adorable Anna. Los mismos elogios se dirigen a Craig Gallivan en el papel de Olaf, un muñeco de nieve con ganas de calor, con una interpretación muy cercana a la de la película, y también a Oliver Ormson como Hans, dotando al papel de un atractivo engañoso y una presencia notable. Pero no son sólo los protagonistas los que destacan en este espectáculo, ya que todo el conjunto adquiere protagonismo a lo largo de todo el espectáculo, con un talento palpable pero un compromiso aún más perceptible.
Walt Disney solía contar que se le ocurrió la idea de su parque mientras estaba sentado en un banco viendo a sus hijas montar en el tiovivo, pensando que debía existir un lugar donde padres e hijos pudieran divertirse juntos. Han pasado muchos años desde que ese pensamiento pasajero se convirtió en una realidad que ha dado alegría a millones de personas durante varias décadas y muchas más por venir. Pero la idea sigue viva y, por fin, ha vuelto a nacer en los escenarios. Porque Frozen es precisamente lo que deberían haber sido todas las producciones anteriores de la compañía. Han hecho falta unos 20 inviernos (perdón por el juego de palabras) para que la junta directiva lo consiga por fin, pero al menos se ha trazado el camino y, con suerte, se le irán añadiendo más adoquines a lo largo del tiempo. Como canta Elsa con orgullo, es hora de poner a prueba los límites y abrirse paso. Afortunadamente, ese ha sido el caso.
Frozen se representa en el Theatre Royal Drury Lane de Londres de martes a domingo. Las entradas están disponibles en este link.
Por Guillermo Názara
First Night Magazine 